« Dès le départ on a eu l’impression de faire notre deuxième album. Comparé à nos habitudes, ça ressemble vraiment à un nouveau départ. » Aidan Moffat

As Days Get Dark, sorti en 2021, était le premier album d’Arab Strap depuis 2005. Il a lancé le groupe dans un nouveau chapitre qui trouve son prolongement et encore plus d’ampleur à présent. « Parmi les groupes qui se reforment, beaucoup sont trop préoccupés par le passé et essayent de retrouver leur son d’avant, explique Moffat. C’est impossible, ça ne revient pas. Nous n’essayons pas de ressembler à l’ancien Arab Strap. La première phase, si on veut, était axée sur la laideur et les désordres de l’amour quand on est jeune, et ce n’est tout simplement plus ce que le groupe chante aujourd’hui. C’est comme s’il y avait deux groupes différents. »

Cette première période à laquelle le groupe fait référence trouve son origine en 1995 lorsque Malcom Middleton et Aidan Moffat entament leur collaboration. Ils mêlent alors des sons lo-fi, post-rock et un style alternatif unique qu’ils marient aux paroles personnelles, romantiques, à la fois sombres et drôles de Moffat, au point de s’imposer rapidement comme un groupe unique en son genre. John Peel les adore, ils font un passage dans une grande maison de disques et, avant de tirer leur révérence en 2006, ils auront sorti six albums au succès jamais démenti.

Cependant, les deux premiers titres du nouvel album témoignent avec férocité du regard qu’ils pointent sur l’horizon, plutôt que de se préoccuper de leur héritage. « Allatonceness » s’élance tambour battant avec sa batterie tonitruante, avant que surgissent les riffs les plus denses jamais entendus chez Arab Strap. Mais juste quand on pense que le groupe est en train de laisser s’infiltrer un peu de métal dans sa production, arrive « Bliss », qui pourrait bien être la chanson la plus explicitement dance et électro d’Arab Strap.

« Au départ, le projet était de sortir plusieurs singles plutôt qu’un album, explique Middleton. On a donc commencé à composer des chansons dynamiques, entraînantes et optimistes. Puis on s’est mis à ajouter d’autres chansons et c’est devenu un album. Ça fait deux ans qu’on travaille à notre rythme sur cet album, – c’est probablement la première fois qu’il nous a fallu si longtemps pour faire un disque. »

L’album a su capter l’étincelle d’origine propre à une écriture de singles, tout en ayant bénéficié d’une gestation propice à la naissance d’un disque équilibré et réfléchi. Cet album est riche de morceaux puissants et percutants, que ce soit dans les moments les plus entraînants de l’album ou dans le mordant des mots. « Il y a plus de colère et d’agressivité dans les paroles que sur le dernier album, dit Moffat. Sans être ouvertement politique, ce disque est certainement un peu en colère contre le monde. »

Cela se manifeste dans des morceaux comme « Bliss », qui se concentre sur « la façon dont les femmes sont terrorisées en ligne par la pire espèce de lâches ». Et c’est en écrivant « Summer Season » (un morceau qui marie de rares rythmes électro, un piano délicat, des explosions de bruits ambiants et des cordes amples), que Moffat s’est rendu compte du thème qui émergeait peut-être en sous-texte. « Personne ne veut plus entendre parler de la pandémie, mais elle a complètement changé ma vie sociale. Je me suis rendu compte que j’écrivais sur ça et que la plupart des chansons parlaient de connexion, ou d’absence de connexion. Je ne me sentais pas vraiment connecté au monde physique et je passais trop de temps en ligne. »

Moffat explore la déconnexion humaine qui peut se produire dans un monde connecté à l’infini, de manière tendre, passionnée ou, parfois, déchirante. « Safe and Well », une chanson acoustique à la fois belle et émouvante, a été inspirée par une histoire que Moffat a lue, celle d’une femme dont on avait laissé le corps se décomposer pendant la pandémie. « Personne n’a rien fait pour elle, raconte-t-il. Les voisins se sont plaints et il y avait des asticots partout, mais personne n’a rien fait. J’ai trouvé que cela correspondait à l’esprit de l’album : l’ironie qu’il y a à vivre dans un monde soi-disant connecté. »

« Sociometer Blues » est guidé par une rafale de batterie et de piano à la fois mélodique et triste, avant que les lignes de guitare sinueuses de Middleton ne se joignent à la chanson pour créer un morceau qui prend vie grâce à des éclats contagieux d’électronique et de voix superposées. La chanson parle des relations addictives et néfastes qu’on entretient avec les médias sociaux. La création de la chanson a même eu un effet sur la relation de Moffat avec le monde numérique. « J’ai clairement compris que je n’avais pas besoin de ce genre de trucs, explique-t-il. Je n’utilise plus Twitter comme avant, et je me suis surpris à essayer de me reconnecter physiquement aux gens comme je ne l’avais pas fait depuis longtemps. »

En définitive, pour Moffat, l’album traite de « la différence entre le monde visible et le monde invisible : auquel des deux croit-on et pour lequel choisit-on de s’engager ». Cependant, pour un album plein de dualités qui brouille ainsi les lignes entre les mondes, les personnalités et les personnages, la musique employée pour l’exprimer est l’une des plus vibrantes, viscérales et variées du groupe.

C’est ce qui ressort de titres comme « Strawberry Moon » qui, une fois de plus, ne ressemble pas à ce que le groupe a pu faire auparavant : la basse de Middleton est recouverte d’une épaisse couche de fuzz, en parallèle d’un rythme électro à la fois entraînant et tortueux qui doit beaucoup à l’afrobeat. Ce morceau révèle également que même si l’album est riche de puissants thèmes interconnectés, il n’est pas rigidement lié à eux. « Thématiquement, c’est la chanson la plus personnelle de l’album, reconnaît Moffat. Elle parle d’une période où je n’allais pas très bien, à la fois mentalement et physiquement. Mais au lieu de se morfondre, on a fait une sorte d’hymne à la lune : elle apparaît toujours dans mes textes, parce qu’elle est tout le temps là, qu’elle change constamment et ne déçoit jamais. »

Les deux artistes ont de nouveau travaillé avec leur producteur de longue date, Paul Savage, – assurance d’une base solide pour expérimenter davantage et pousser les choses plus loin vers de nouveaux rivages sonores. « On ne voulait pas changer notre façon de travailler, explique Middleton. Je pense que c’est important. Il est bon de faire confiance à la personne avec laquelle on travaille, qui peut nous dire ce qui est bien ou pas. On ne pourrait pas accepter ça de la part de quelqu’un qu’on ne connaît pas. »

Le titre I’m totally fine with it 👍 don’t give a fuck anymore 👍 peut donner l’impression d’un groupe qui a lâché l’affaire (en fait il s’agit d’un SMS du batteur live du groupe que Moffat a trouvé drôle). Mais en réalité, cet album définit clairement une nouvelle phase créative pour Arab Strap. Alors que le groupe vient de terminer une tournée célébrant le 25ème anniversaire de Philophobia, le nouvel album est empreint du désir d’aller de l’avant et d’explorer de nouveaux territoires sonores. « C’était amusant, mais je suis content que ce soit fini pour qu’on puisse passer à autre chose, avoue Middleton en riant, et Moffat de renchérir. « La tournée Philophobia a été une façon de dire au revoir à ces vieilles chansons, dit-il. C’est un disque très calme, donc je m’attends à ce que l’année prochaine, lors des concerts, ce soit banger sur banger. Nous avons gagné le droit de faire du bruit. »